Aspectos de la escultura romana

 La escultura romana tuvo una fuerte influencia de la plástica griega. Los patricios romanos coleccionaron obras originales y copias de los más famosos escultores helénicos. Muchas obras helenísticas se han encontrado en los yacimientos antiguos de Roma, llevadas allí para decorar sus palacios. Al principio del Imperio romano, la imagen del emperador, que iba a ser repetida por todo el orbe mediterráneo, como forma de propaganda, se inspiró en la idealización de la época clásica ateniense. Así, lo observamos hasta el siglo II, tanto en las obras en bulto redondo como en relieve, durante la época de Augusto, como en la dinastía Julia. De este aspecto, tenemos dos ejemplos principales, el retrato de Augusto de Prima Porta, y el Ara Pacis. 

En la primera obra, Augusto aparece arengando a las tropas vestido de militar con el brazo levantado y los pies descalzos. La postura de las piernas repite el modelo del Doríforo de Polícleto. En la coraza se representa un tema alegórico, la sumisión del rey de los Partos. El retrato del emperador remite al gusto propiamente romano de exaltación de la autoridad del individuo. La idealización del cuerpo, que le confiere un estatus divino, proviene de la influencia griega. Idealismo y serenidad clásica son las características formales de los relieves del Ara Pacis, que muestran la procesión de los descendientes de Julio Cesar para participar en los sacrificios dedicados a la paz.

Otro de los aspectos de la plástica romana es el retrato, que une la tradición funeraria etrusca y la influencia griega. Además, influye la costumbre de conservar la imagen de los antepasados. El resultado es un retrato, en general, realista, que muestra la evolución de las modas en el cabello, especialmente de la mujer patricia.

Finalmente, propiamente romano, fruto de la expansión imperial, fue el relieve histórico, que se sitúa en dos monumentos que mostraban los triunfos de los emperadores, el arco de triunfo y la columna conmemorativa. Ejemplos significativos son aquellos relieves que decoran los pilares del Arco de Tito, que muestran la victoria romana sobre los judíos y el saqueo del templo de Salomón.

La escultura clásica griega

 Los griegos expresaron con la escultura del siglo V a.C. su concepción de la belleza ideal bajo un orden matemático. Las obras del pleno clasicismo son fieles a la proporción y la armonía entre las partes del cuerpo humano y el conjunto. El movimiento aparece contenido y hay ausencia de sentimientos. Los ejemplos en bulto redondo originales se perdieron. Solamente nos podemos hacer una idea de cómo fueron a través de copias romanas. El Discóbolo de Mirón representó a un atleta en el momento de lanzar el disco, es decir de máxima dificultad en la representación anatómica. Logró ser una de las obras más reproducidas de la Antigüedad. 

Si hay una obra que mejor expresa la teoría griega sobre las proporciones es el Doríforo o el Canon de Polícleto. Representa a un joven lancero que camina. Gira la cabeza hacia el lado de la pierna que apoya. El brazo que porta el arma corresponde a la pierna exonerada al marchar de frente. La altura total de la figura equivale a siete veces la longitud de la cabeza. El cuerpo humano se representa según los mejores ideales hallados matemáticamente. Sin embargo, la escultura en bulto redondo como en relieve que decoraba los frontones y gran parte de los frisos de las Panateneas en el templo del Partenón, obra de Fidias, emplea un mayor virtuosismo técnico y la captación de un sentimiento contenido. Sus obras hoy perdidas de Zeus y Atenea, reflejarían mejor que nadie la identidad de estos personajes mitológicos.

En el siglo IV a.C. surge una nueva sensibilidad. La escultura evoluciona, por un lado, hacia la expresión de una belleza menos intelectual, hacia una percepción sensual por el espectador. Y por otro, a la ruptura de la mirada frontal ante la escultura, propiciando diversos puntos de vista, moverse alrededor de la imagen. Una perspectiva la crea Praxiteles, con obras como el Hermes con Dioniso niño y la Afrodita de Cnido. En la primera, los dioses hacen una parada en su camino. El cuerpo de Hermes se inclina hacia Dioniso describiendo una curva que recibirá el nombre del autor desde ese momento. Otra, la realiza, Lisipo, que hace más estilizado el canon de Polícleto, e incorpora un elemento de la figura delante del espectador, como sucede con los brazos del Apoxiomenos, un atleta que se limpia tras el ejercicio físico.

Historia de la escultura

 A lo largo de este curso en nuestro recorrido por la Historia del Arte, vamos a dedicar en este espacio una atención especial por la evolución de la escultura, tanto en bulto redondo como en relieve. El punto de partida corresponde a la escultura griega arcaica, entre el siglo VII a. C y el V a.C., que va cambiar rápidamente hasta alcanzar el periodo clásico. En la civilización griega se considera al ser humano como la medida de todas las cosas. Las proporciones de la arquitectura como la escultura pierden las dimensiones descomunales de los egipcios para hacerse adecuadas al ámbito de la polis. Los dioses griegos tienen un poder sobrenatural pero actúan entre los hombres, y protagonizan el mito. La vida de la ciudad conmemora a los héroes, convirtiéndoles en modelos a imitar para la sociedad.

Los primeros ejemplos de escultura griega tienen dos modelos fundamentales, el kurós y la koré, uno masculino y otro femenino. Los kuroi, son atletas divinizados o heroizados, sin rasgos individualizados, al mostrar una idea esencial de estas características. Las korai, en cambio, son muchachas que aparecieron entorno a los templos, que pudieron ser figuras votivas, donadas por los fieles con otras ofrendas. El escultor griego parte del punto donde había llegado la estatuaria egipcia y oriental, de la que recibe una fuerte influencia. Los kuroi se muestran desnudos, y especialmente los más antiguos, se presentan con un pie adelantado y los brazos pegados al cuerpo con las manos cerradas como puños. Son figuras hieráticas de acusada frontalidad con los rasgos anatómicos representados de manera geométrica.

El rostro presenta un gesto estereotipado y no expresivo, con una leve sonrisa. Las korai aparecen vestidas con distintos peplos, con los mismos arcaísmos en la representación del cuerpo. Frontalidad e hieratismo. Sin embargo, el afán de los griegos por la representación más fiel del ser humano, hace que la geometrización se sustituya cada vez más por el modelado de las formas y de los volúmenes. Además, según nos vamos acercando al siglo V a. C, se va rompiendo el frontalismo, al levantar o mover un brazo la figura, hasta incluso desaparecer la sonrisa arcaica.

Visita al Museo Arqueológico Nacional

El pasado viernes 29, los alumnos de Historia del Arte visitaron el Museo Arqueológico Nacional. Hicieron un recorrido por las salas dedicadas a Roma y la Edad Media, sin olvidar alguna obra maestra conservada en el museo.