La Gioconda de Leonardo da Vinci

La Gioconda, 1503-1519, Museo del Louvre

Quería comentar una pintura del Cinquecento, aquella que mejor representase este periodo comprendido por la obra de los grandes maestros del Renacimiento. Podía elegir varias entre las indicadas, incluso, para el nivel de 2º de Bachillerato. Al final me decidí por la Gioconda o Mona Lisa, sin duda la pintura más famosa del mundo. Aquella que logra alterar el ritmo de visitas, ya elevado, del Museo de Louvre, para provocar un tumulto de turistas, palos de selfie y cámaras fotográficas. Los numerosos interrogantes que la rodean, y las copias y parodias a las que ha dado lugar, la han convertido en un auténtico icono cultural.


Representa un retrato de medio cuerpo de Lisa Gerardini, esposa del banquero, Francesco del Giocondo, encargado a Leonardo para celebrar el nacimiento de su segundo hijo. Fue comenzado en la ciudad de Florencia en 1503, y al parecer, siempre retocado por el maestro hasta su muerte acaecida en la corte francesa en 1519. El mismo rey, Francisco I, lo adquirió por esas fechas, para pasar a las colecciones reales. La dama se encuentra en una galería, sentada en un sillón, con los brazos cruzados en un lateral, que producen un leve contrapposto a la figura, para evitar la frontalidad. Al fondo se observa un paisaje onírico, brumoso, que se pierde en la lejanía. Un tratamiento similar al empleado en la Virgen de las rocas. La luz entra por la izquierda e ilumina sobre todo, el rostro, el pecho y las manos.Un rostro caracterizado por una pequeña sonrisa mientras sus ojos están fijos frente al espectador. 


Leonardo exhibe su dominio de la técnica pictórica, propia de los grandes maestros. El óleo sobre una tabla de álamo en la que fue pintada, le permite llevarlos a cabo. Muestra una composición triangular, con armoniosas proporciones. Emplea el claroscuro, como definidor de formas y volúmenes, según la diferente incidencia de la luz. De esta manera, los contornos del dibujo están difuminados, según su propia técnica del sfumanto. Tales recursos técnicos estarían al servicio de la representación de la psicología de la retratada, significado muy propio del Renacimiento, pero también, de la concepción de la belleza ideal que tenía Leonardo.

La Gioconda, 1503-1516, Museo del Prado

Los conservadores del Museo del Louvre velan constantemente por su estado de conservación. Tratan de evitar cualquier daño producido por la visita de tantos admiradores. Hoy parece que requeriría una difícil restauración para eliminar los barnices que la oscurecen. Por otra parte, el Museo del Prado exhibe la mejor copia de la Gioconda, también un oleo sobre tabla, con medidas casi idénticas, que fue pintada al mismo tiempo en el taller de Leonardo por uno de sus discípulos, Francesco Melzi o Andrea Salai.

La pintura del Quattrocento italiano

El Nacimiento de Venus, Sandro Botticelli, 1482-1485, Galeria Uffizi, Florencia

En nuestro particular recorrido de la historia de la pintura llegamos al Renacimiento. Así, una de las obras cumbres del Quattrocento italiano corresponde al Nacimiento de Venus pintada al temple sobre lienzo por Sandro Botticelli entre 1482 y 1485. Un autor de éxito en la Florencia de su tiempo, que estuvo vinculado a la Academia Platónica, protegida por la familia Médici, que reunió en su seno a artistas, filósofos y escritores. Tradicionalmente se había pensado que fue un encargo de Lorenzo de Pierfrancesco de Médici, junto a otras dos obras de mitología clásica, La Primavera, y Palas y el Centauro, aunque parece estar vinculada a la admiración que profesaba el propio Giuliano de Médici por Simoneta Vespucci, la modelo empleada por el artista para encarnar a la diosa. 



Botticelli tuvo como inspiración para el tema a Ovidio y, sobre todo, al poeta coetáneo, Angelo Poliziano, miembro de la Academia. La diosa Venus nació de las aguas del mar a donde se habían arrojado los genitales de Urano, cortados por su hijo Saturno. Pero el cuadro no representa el momento exacto del nacimiento, sino la escena de la llegada de la diosa a una isla mítica conducida por el viento, el dios Céfiro con su esposa, Flora, a la par que caen rosas sobre el agua. La diosa se sitúa en el centro, ligeramente escorada a la derecha, encima de una concha, símbolo de la misma, mientras la Hora de la Primavera le va a tapar con un manto. El mar parece alterado por las ráfagas de viento y una costa ondulante se pierde en el horizonte. 


La escena, llena de símbolos, tiene un significado más complejo, que el deducible de las fuentes grecorromanas. Hay que entenderla según el neoplatonismo formulado por Marsilio Ficino, por el cual, Venus, se desdoblaría en dos versiones complementarias, la celeste y la material. La representada por Botticelli, sería la celeste, en tanto que aparece desnuda, recién nacida. Encarnaría la inteligencia pura y el saber supremo. La belleza ideal, atributo de la divinidad, aparecería como un ejemplo claro de la pretensiones neoplatónicas de unir la filosofía antigua con la doctrina cristiana. El cuadro, por tanto, sería un ejemplo preciso del nuevo humanismo renacentista. Un humanismo que tiene al ser humano como centro del Universo.


De esta manera, se la representa, a diferencia de la Edad Media, desnuda, siguiendo los modelos de la mitología clásica. La figura central del cuadro sigue la postura de la Venus Púdica, con suave contrapposto, creada por Praxíteles, e innumerables veces imitada. Botticelli muestra un estilo que valora el dibujo sobre el color, siempre cargado de ritmo fluido, pero a la vez, cálido y de sensibilidad nostálgica. Los tres elementos que forman la escena se presentan a modo de friso en primer plano, sin valorar tanto, un fondo en perspectiva geométrica, típica del Quattrocento.


Descubrimos el Arte Medieval


Durante el segundo y el tercer trimestre vamos a dedicar una atención especial al Arte Medieval en  2º de ESO. Lo trataremos en forma de proyecto, que implicará la búsqueda de información y de las imágenes de las manifestaciones artísticas más relevantes en la arquitectura, pintura y escultura. Implicará un trabajo cooperativo para los alumnos organizados en grupos. El objetivo será entender los elementos formales más importantes, las características técnicas y el significado, la función y el propósito de las mismas. Empezamos un trayecto hasta terminar el curso. Nuestro objetivo será descubrir los estilos románico y gótico, además del arte islámico.

Cine e Historia: 1917


Una nueva película centra su argumento en la Primera Guerra Mundial. Un acontecimiento esencial para la Historia contemporánea, hasta el punto que se la ha considerado como el inicio del siglo XX. Dio paso a un mundo diferente con distintos condicionantes políticos, económicos y sociales. Ha quedado en la memoria como una auténtica carnicería por las numerosas víctimas que se produjeron en sus cruentas batallas. La película, 1917 escrita y realizada por el director San Mendes, aborda la guerra desde hechos heroicos protagonizados por jóvenes anónimos, que en algún caso sacrificaron su vida por la disputa entre las naciones europeas.


Los recuerdos del abuelo del director están presentes en el argumento. Fue un condecorado soldado inglés en la Primera Guerra Mundial que actuó como mensajero, a causa de su corta estatura, que le permitía no ser visto entre los frentes. Los protagonistas de la película son dos soldados que son elegidos para llevar una orden del general inglés para parar el ataque de una compañía avanzada, porque era una trampa del ejército alemán. El periplo entre las posiciones donde estaba el mando y las unidades avanzadas, más allá de las antiguas líneas enemigas, constituye la historia de la película. Un recorrido peligroso porque todavía hay soldados alemanes dispersos.  De esta manera, somos testigos de las numerosas víctimas humanas de los dos bandos. La llamada Tierra de Nadie entre las trincheras, constituye un paisaje desolador, devastado por las explosiones de la artillería.


 A uno de los protagonistas, el cabo Blake le habían elegido porque su hermano se encontraba en la unidad avanzada. Además, sabía orientarse bien con los mapas, pero no logrará culminar la misión. Será el cabo Schofield quien lo logre, tras pasar las enormes dificultades con las que se encuentra. Cumplirá la misión, cuando las tropas británicas habían lanzado la primera oleada de ataque. Se evitará, así, numerosas muertes sin sentido ante un objetivo imposible, como tantos otros en esta primera contienda mundial. Las últimas escenas de la película son para la familia del cabo fallecido, para su propia familia, que le espera de regreso, mientras mira sus fotos.

Máximo histórico de la población española

(Fuente: Huffingtonpost)

Según datos provisionales del Instituto Nacional de Estadística, la población española alcanzó en el primer semestre de 2019 su máximo histórico, unos 47,1 millones de habitantes, a causa del crecimiento de la población extranjera, de la inmigración a nuestro país. Una inmigración que ha compensado el crecimiento vegetativo negativo, pues fallecieron en ese periodo 214.218 personas, mientras nacieron 169.216. También, hubo un saldo migratorio positivo de 209.097 personas, el valor más alto desde que se inició la serie en 2008.

(Fuente: Huffingtonpost)

Los movimientos migratorios trajeron a España 183.073 nuevos extranjeros, mientras que la población de nacionalidad española se redujo en 19.737. Hoy hay en nuestro país, 5.023.279 extranjeros, un 10,67%  del total de la población. Cataluña (47.119 personas), la Comunidad de Madrid (40.539) y la Comunidad Valenciana (27.162) se mantienen como las autonomías en las que más extranjeros se asentaron. Entre las procedencias de los inmigrantes destacan, Venezuela, Colombia y Marruecos, que se ha convertido en el colectivo extranjero más numeroso.

La pintura gótica

El matrimonio Arnolfini, Jan Van Eyck, 1434
En nuestro recorrido por la Historia de la Pintura llegamos al estilo gótico, un periodo extenso en el tiempo, que va a tener dos ámbitos geográficos fundamentales, sobre todo, al final del mismo. La pintura italiana del siglo XIII y XIV, los llamados Duecento y Trecento, y aquella desarrollada posteriormente en los Países Bajos. Ambas son la mejor expresión de la cultura urbana centrada en el comercio de la plena y baja Edad Media. Si nos situamos en esa última, destaca la figura de Jan Van Eyck, el pintor al servicio del Duque de Borgoña, e introductor de la técnica del óleo. Destacamos como ejemplo de su virtuosismo, la tabla que representa El matrimonio Arnolfini, datada en 1434, que en la actualidad se conserva en la National Gallery de Londres.


La obra representa la ceremonia del matrimonio entre Giovanni Arnolfini, acaudalado hombre de negocios establecido en Brujas, y su futura mujer, Givanna Cenami, que aparecen de cuerpo entero frente al espectador. La pareja se agarran con una mano, mientras con la otra, el marido, bendice a la mujer y ésta, con la contraria se la lleva al vientre. La escena se desarrolla en una habitación privada. Al fondo, se descubre, reflejado en un pequeño espejo, al clérigo, que dirige la ceremonia, y al testigo, que sería el propio pintor. El conjunto comprende un sofisticado juego ilusionista que implica al espectador en la escena.


El matrimonio Arnolfini es una obra maestra de Jan Van Eyck, y del estilo flamenco del siglo XV. En ella se compendian las características que lo definen. Realismo en la representación minuciosa de los objetos. Así como, preocupación por la luz y la perspectiva, una representación de carácter espacial, más que de índole matemática. Los pintores flamencos utilizan el recurso a disponer una ventana que ilumina los interiores de las casas o templos, por los que la luz penetra y define, graduando, las formas y los colores de los objetos. 


Por otra parte, la pintura no se agota en la representación naturalista, sino que tiene una fuerte carga alegórica, explicada a través de los numerosos símbolos que emplea. En la obra que nos ocupa, el autor alude al matrimonio y la maternidad. Precisa el papel de cada uno de los cónyuges y la necesaria fertilidad para mantener el rico patrimonio o el estatus familiar. Los dos contrayentes provienen de Italia, un país mediterráneo, pero han establecido negocios con países muy distintos. La tabla, igualmente, indica, que el futuro no será fácil, pero la unión está bendecida por la fe cristiana. 


Por tanto, los numerosos objetos representados en la pintura no son únicamente decorativos, sino que comunican una información instantánea al espectador avezado. En este sentido, cabe explicar la representación de las naranjas, el rosario, el Vía Crucis entorno al espejo, la cama, los zuecos, el perro, la vela encendida, el empleo de unos determinados colores y no otros, incluso la propia firma del afamado pintor, compuesta en una auténtica declaración: Jan Van Eyck estuvo aquí en 1434.

La sociedad de clases


En la materia de Historia del Mundo Contemporáneo de 1º de Bachillerato hemos tratado la llamada sociedad de clases mediante la realización de pequeños carteles con mapas conceptuales. Nos ayudan a comprender y estructurar la información sobre los cambios causados en la sociedad por la Revolución Industrial. Se han completado con el análisis de textos, de fuentes primarias de la época. Pretendemos acercarnos a la materia desde las tareas más variadas para incrementar la motivación en el aprendizaje de la Historia reciente.

Ante la Cumbre del Clima de Naciones Unidas COP25


Estudiamos en la materia de Geografía de España los problemas medioambientales de nuestro país. Descubrimos que no se circunscriben a nuestro territorio, porque son problemas que afectan al planeta. Las prolongadas sequías, las lluvias torrenciales, la desaparición de las masas polares y los glaciares, y la subida del nivel del mar, son manifestaciones del más grave de todos ellos que es el cambio climático. Cada año se baten récords de calor. Sabemos que la causa son el incremento en la atmósfera de los gases efecto invernadero, especialmente el dióxido de carbono, que en el año 2018 alcanzó la cifra más alta desde hace tres millones de años.

(Fuente: elperiódico)
Desde el inicio de la Revolución Industrial la temperatura en la Tierra se ha elevado 1 grado. Se pretende limitar las emisiones de gases efecto invernadero desde 1992 cuando se formó la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático, de la cual forman parte casi 200 países,. El Acuerdo de París de 2015 concretó una meta de subida de temperatura para el siglo XXI entorno a 1,5º C. Sin embargo, todavía falta pasar a un compromiso concreto para alcanzar dicho objetivo, que supondría reducir en un 7,6% cada año en la próxima década. Es urgente lograr en 2050 la neutralidad del carbono, es decir, que no se emita más Dióxido de carbono del que la naturaleza pueda absorber.

(Fuente: RTVE)

Ante esta emergencia climática, que el Parlamento Europeo, acaba de declarar, solamente cabe pasar a la acción. La COP25 que se celebra en Madrid entre el 2 y 13 de diciembre es una oportunidad para desarrollar de manera precisa el Acuerdo de París. Los países que forman la Unión Europea y otros hasta llegar a los 65, se han comprometido a conseguir la neutralidad del carbono en 2050. La ONU espera, que ante la emergencia climática que certifican los informes científicos, se sumen más naciones. Sería un éxito que se pusiesen en marcha planes inmediatos y concretos acompañados de inversiones que favorezcan una transición a una economía menos contaminante, equilibrada y sostenible, respecto a los recursos naturales. La población se muestra cada vez más sensibilizada, especialmente, los docentes, #Teachers For Future, y los más jóvenes, #Fridays For Future.

Visita al Museo Arqueológico Nacional


El pasado viernes 29, los alumnos de Historia del Arte visitaron el Museo Arqueológico Nacional. Hicieron un recorrido por las salas dedicadas a Roma y la Edad Media, sin olvidar alguna obra maestra conservada en el museo.


La pintura del Románico

Ábside de San Clemente de Tahull, Museo Nacional de Arte de Cataluña
La mejor manera de analizar la pintura del Románico es mostrar una obra cumbre, que sintetiza todas sus características. La encontramos en el ábside de la iglesia de San Clemente de Tahull, fundada por el obispo Raymond en 1123. Representa el tema tan repetido de las artes figurativas de la Alta Edad Media, el Pantocrátor, Cristo en majestad, sentado en un arco iris, dentro de la mandorla mística. La mano derecha tiene actitud de bendecir y la izquierda lleva el libro de las Escrituras con el texto: Ego sum lux mundi (Yo soy la luz del mundo). A un lado y otro de la cabeza, las letras griegas, alfa y omega, como símbolo del principio y el fin. Es la manifestación más imponente de la divinidad, una visión sobrenatural que destaca por su tamaño, frente a las figuras de los ángeles que le rodean.

Detalle

En distintos planos se representa el Tetramorfos, los símbolos de los evangelistas. En la parte inferior de la jerarquía, se sitúan, ya en el muro,  la Virgen y algunos santos. Las distintas figuras se pueden identificar por sus nombres. Nos indica el carácter didáctico de esta pintura. Desconocemos el nombre del pintor, pero en las figuras demuestra una gran calidad, dentro de los rasgos propios del estilo románico. Jerarquización por tamaño. Frontalidad. sin movimiento, salvo las figuras de los ángeles que se vuelven a Cristo, en posición simétrica en la composición. Un trazo negro dibuja y traza los detalles. Todo se rellena de un color vivo, pero plano, sin apenas efectos de claroscuro, aunque el maestro de Tahull se permite tratar los paños con detalle y unos tonos suntuosos. Sin embargo, hay un tratamiento geométrico y una esquematización general de las formas, que aparecen planas.

Detalle

El conjunto que rellenaría al fresco todo el muro del ábside sin dejar ningún espacio sin pintura, horror vacui, cumpliría, por tanto, una doble función, llamar la atención de los fieles asistentes a la Iglesia, por una parte, y por otra, transmitir el significado religioso de la manera más efectiva y precisa.